Siendo muy joven y mucho más inexperto de lo que se podía imaginar, Víctor Carrasco se lanzó hace diez años a la aventura de montar una empresa de mobiliario. Aquella que había ideado como proyecto de fin de carrera, con la que consiguió graduarse con matricula de honor a pesar de haber arrastrado notas del montón durante todos sus estudios. Estaba por titularse como ingeniero industrial en la Universidad Politécnica de Valencia y mientras sus compañeros presentaban el diseño de un producto o un mueble como proyecto de graduación, él apuntó más alto y trazó todo un plan de negocio para una empresa de mobiliario contemporáneo que finalmente vio la luz dos años después con el nombre de Viccarbe. “Lo hice por ignorancia positiva. Si llego a saber dónde me estaba metiendo, nunca lo habría hecho”, cuenta entre risas.

Viccarbe es el acrónimo con el que desde la universidad enviaban correos electrónicos a Víctor Carrasco Berlanga. Graduarse con honores le sirvió para poder presentarse a unos premios dirigidos a jóvenes empresarios en la Comunidad Valenciana a través de los que obtuvo el empujón final para montar la empresa.

La trayectoria meteórica debe mucho a sus gestores, pero también a una de nuestras diseñadoras con mayor reconocimiento internacional: Patricia Urquiola. Hasta el año 2003, Carrasco conducía la empresa de una manera manejable. Ahora vende en 60 países. Hasta que su camino y el de Urquiola colisionaron felizmente, Carrasco producía diseños realizados principalmente por gente cercana, entre ellos, antiguos compañeros de clase. “Me encantaban las firmas escandinavas, con pocos productos pero muy trabajados, hasta que consiguen convertirse en clásicos contemporáneos”, cuenta Víctor Carrasco. “Siempre hemos tenido la intención de configurar un catálogo reducido. Sacamos una novedad al año y en ocasiones quitamos una pieza del catálogo o la perfeccionamos. De hecho, año a año buscamos tener menos piezas de manera que las que permanezcan tengan mayor intensidad. Nos gusta ser comedidos, no sacar productos para probar, sino propuestas maduras”.

“Leí que Piero Lissoni firmaba un diseño con una tal Patricia Urquiola. Pensé que si Lissoni firmaba algo con otra persona, debía ser alguien interesante. Traté de localizarla y cuando lo conseguí Urquiola se acaba de independizar de él y estaba montando su propio estudio”, cuenta Carrasco. “Le llamé y le dije que cuando fuese mayor me gustaría trabajar con ella. Y me contestó: Víctor ¿eres lo suficientemente mayor como para coger un avión y venir a Milán? De ahí salió el taburete Last Minute. Aquello fue como comprar stock options muy baratas en una empresa que empieza a subir rápidamente, porque ese fue el año en que Patricia se hizo tan famosa con los diseños que realizó para Moroso”.

Tener en tu catálogo una pieza diseñada por Patricia Urquiola abre muchas puertas. Pero además Urquiola introdujo personalmente a Víctor Carrasco en un círculo de diseñadores internacionales en el que destacan Arik Levy o Marc Krusin, lo que puso la guinda al catálogo de Viccarbe. Tras el pelotazo de su nuevo plantel de diseñadores, Carrasco encaminó la empresa a obtener logros. El reconocimiento mayor le llegó en 2008 cuando obtuvo el Premio Príncipe Felipe a la Excelencia Empresarial. “Este premio nos dio mucha solvencia de cara a nuestros clientes”, recuerda. Casi al mismo tiempo llegaba a un acuerdo de distribución con la firma Steelcase, por el cual sus productos se hicieron un importante hueco en el mercado estadounidense.

Una vez consolidado Viccarbe, ¿qué hace este empresario de 36 años? Lo que no había hecho hasta ahora: ponerse a diseñar. Carrasco ha empezado como diseñador independiente con la misma suerte con la que colisionó con Urquiola. Este año han salido sus primeras piezas para la firma italiana Boffi o las valencianas Luzifer y Gandia Blasco. También ha incluido una pieza suya en el catálogo de Viccarbe, los sofás Fedele (en la imagen). Además, colabora como director creativo con Steelcase en su nueva división de mobiliario de oficina para el espacio doméstico. Sueña en voz alta con algún día ser un Giulio Cappellini, el gurú del diseño italiano que tiene su propia empresa y además diseña para firmas amigas. Lo expresa como un deseo de futuro sin darse cuenta de que se encuentra ya en los primeros día de ese futuro que cree lejano.

Publicado en El País Semanal

A cuántos diseñadores les deben hacer los ojos chiribitas al ver las cantidades astronómicas que va generando, subasta tras subasta, el diván Lockheed diseñado por Marc Newson desde que en 2006 alcanzara casi el millón de dólares (unos 800.000 euros). Y es que el pasado junio, Phillips de Pury & Company lo volvió a vender por el doble.
No es novedad que las casas de subastas oferten clásicos del diseño. Tanto Sotheby’s como Christie’s y también la propia Phillips de Pury ofrecen a menudo en sus lotes piezas de mobiliario o cerámicas de gran valor diseñadas por Charlotte Perriand, Jean Prouvé, Ettore Sottsass o Alessandro Mendini. Pero es quizá Phillips de Pury la que más apuesta por vanguardistas contemporáneos como Ross Lovegrove o Ron Arad sin los cuales no se entiende qué es el design-art, ese movimiento a caballo entre el diseño y el arte que tantas suspicacias genera entre los profesionales del diseño por las tentadoras cifras que mueve.
Ahora Phillips de Pury ha dado un paso más, comisariando una exposición con diseños a la venta que se puede ver estos días (y hasta el 18 de julio de 201o) en su espacio de la última planta de la prestigiosa galería londinense Saatchi, conocida por su habilidad para descubrir y catapultar artistas y cuya colección privada precisamente fue donada ayer por su propietario, el británico-iraquí Charles Saatchi al Estado británico.
En el trabajo de recopilación hecho por Brent Dzekciorius para esta exposición, titulada Connectors, se encuentran algunas de las piezas más interesantes que se han podido ver en los últimos tiempos en lo que a exploración e investigación en el mundo del diseño se refiere que sería, en parte, lo que viene a ser el design-art.
Se trata de piezas muy recientes con menos de dos años de antigüedad, algunas incluso tienen pocos meses de vida. Han sido concebidas por jóvenes talentos de la escena internacional entre los que destacan el estudio Nendo del japonés Oki Sato, la holandesa Pieke Bergmans, Peter Marigold, los israelitas Raw Edges o los españoles Tomás Alonso y Óscar Díaz -estos cuatro últimos asentados en Londres-. Entre todos ellos comparten la intención de experimentar y sobre todo de investigar con nuevos materiales o fórmulas de producción, motivo por el cual algunas de estas piezas no encuentran productor que las ponga en el mercado y si Phillips de Pury o una galería especializada en diseño no las ofertara de esta manera sería muy complicado adquirirlas. Además, los diseñadores de Connectors comparten entre sí la intención de dotar a los objetos de una emotividad más allá de la consabida funcionalidad. Y por supuesto todos ellos impregnan sus piezas con un lenguaje muy gráfico, la tendencia dominante en el diseño de objetos en la recta final de los noughties.

Publicado en El País

La firma Peter Pilotto fue reconocida el pasado diciembre por el British Fashion Council con el premio a los diseñadores emergentes del año. La nueva sensación de la moda británica viene una vez más de la prolífica escuela de Artes Aplicadas de Amberes. Peter Pilotto y Christopher de Vos son los dos hombres que están detrás de una firma que solo lleva el nombre del primero. Se conocieron en los noventa en la misma escuela que formó a Martin Margiela o Bernhard Willhelm y fundaron su compañía en Londres. Es en esa semana de la moda londinense donde han llamado la atención la potencia de sus estampados. La conexión belga se agudiza ahora gracias a una colaboración con la firma de bolsos accesibles Kipling, que se pondrá a la venta en septiembre.

Isabelle Chéron, directora creativa de esta firma creada en Amberes en los años ochenta, llegó al cargo en 2005 para actualizarla. Otras jóvenes con talento que fueron elegidas por Chéron para colaborar antes que Peter Pilotto han sido las chicas de El Delgado Buil, que desfilan en la Pasarela Cibeles. La colección de Anna Figuera Delgado y Macarena Ramos Buil se encuentra ahora mismo a la venta. Está alineada con las propuestas del que fue su desfile para esta primavera-verano. Tanto los bolsos como los accesorios incluyen adornos de corazones y estrellas, estampados que representan mechones de pelo, ribetes y flecos de ante. Elementos algunos de ellos recurrentes en otras colecciones de El Delgado Buil junto con motivos nuevos del estilo de mujer romántica y ultrafemenina que querían mostrar en ese desfile que titularon Majorettes.

Las simbiosis entre grandes marcas y diseñadores emergentes está a la orden del día. Los primeros se benefician de la disponibilidad y frescura de los noveles y éstos, del poderío de producción, distribución y convocatoria de los primeros. Peter Pilotto lo explicó así durante la presentación de la colección en Londres: “Kipling nos ha dado la oportunidad de hacer algo muy accesible para mucha gente”. Los diseños de pasarela de la marca se venden solo en tiendas exclusivas de 29 países, concept stores tipo Colette en París o Harvey Nichols y Dover Street Market en Londres. Con esta colaboración, tan solo en España podrán acceder a 340 puntos de venta.

Con una trayectoria ascendente pero llena de altibajos, Kipling ha conseguido en los últimos tiempos mejorar su posición en el mercado de los bolsos informales. Con un catálogo de hasta 1.500 artículos, en los últimos cinco años ha doblado directamente las ventas. La compra de la empresa en 2004 por parte del grupo VF, al que pertenecen marcas como Eastpak, Wrangler, The North Face o Vans, y la llegada de Isabelle Chéron como nueva directora creativa son las dos claves de este avance. Chéron venía de trabajar en marcas de lujo como Chanel o Celine.

En el caso de la colección diseñada por Peter Pilotto para Kipling, el objetivo además es vender. Por eso Peter y Christopher se han decantado por un diseño no solo accesible económicamente sino también muy ponible con un estilo ochentero y unisex. “Nos dejaron total libertad desde el principio. Podíamos hacer algo muy exclusivo y limitado o algo superaccesible. Decidimos tirar por esto último, coger el producto más básico y llevarlo a nuestro mundo”, cuenta Peter Pilotto.

Al mismo tiempo se les ocurrió mezclarlo con su trabajo más básico para que todo el conjunto fuera reflejo del punto de partida en la trayectoria de ambos, por eso los estampados proceden de las primeras colecciones de Peter Pilotto. El resultado son dos motivos: uno con referencias galácticas y otro con inspiraciones mecánicas e industriales. Los precios de los 11 modelos de la colección oscilan entre los 20 euros del monedero hasta los 100 de la bolsa más amplia.

Publicado en El País

Perhaps fate willed it so. If the young Francesc Rifé hadn’t lost some teeth during a roller hockey match, Spain would’ve lost one of its greatest emerging designers. It was during his painful recovery that Rifé focused on his design studies at the Barcelona School of Design La Llotja. “I started to concentrate hard on my design work,” he recalls. “If I got an A, I got really angry because I wanted an A+.”

Immediately following graduation, Rifé introduced himself quickly into the national design circuit by launching his studio in Barcelona in 1994 at the age of 25. His quiet interiors gained instant acclaim, as did his furniture pieces for Artquitect, Gandia Blasco and Viccarbe. With a 14-person team, the prolific Spaniard now orchestrates 35 projects a year, while also teaching at the Elisava School of Design.

And since 2006, Rifé has added another title to his list: creative director for Spanish brands Samoa and Ziru. “Until recently, the creative director has been an unknown figure here, but it’s quite common in Italy, such as Piero Lissoni and Antonio Citterio, whose work I admire greatly,” he explains. Did we mention he also designs for Martínez Otero, Joquer and Seiak?

His elegantly restrained designs—from the oak Ema table for Ziru to the lacquered trapezoidal Tab Desk for Martínez Otero—exude an almost Scandinavian appeal. Meanwhile, his interiors display similar qualities. To wit, he topped the dining room of last year’s Gastromium restaurant in Seville with an astonishing group of 286 tubular halogen lamps that resemble stalactites. And for the cake shop Pomme Sucre (2009) in Oviedo, Rifé used splashes of color in a quiet nod to baking ingredients. Clearly, his recipe for success is foolproof.

Published by Surface magazine.

Foto: DAN ELHADAD

Aquí va una entrevista concedida a Neo2 en febrero de 2010 con motivo del 15 aniversario de la revista en la que los hermanos nos dan su punto de vista sobre diferentes aspectos relacionados con el diseño y la gastronomía.

ESTÉTICA “Para nosotros es una combinación de un montón de variables que pueden ser tangibles o no, como por ejemplo los colores, la forma, el peso, la solidez, la sensualidad… Pensamos que un buen diseño ha de tener presente todas estas variables de una manera equilibrada. A pesar de ello, si tuviéramos que seleccionar dos factores clave que hacen que un diseño sea bueno pensamos que quizá sería por un lado ser discreto y por otro perdurable, con el objetivo de no provocar un gran impacto en el ambiente, visual y físicamente hablando”.

REFERENCIAS “Manejamos muchas referencias de la historia del diseño pero no podríamos decir que nos hayan influenciado verdaderamente a la hora de diseñar. Por ejemplo, nos gusta mucho el trabajo de Ettore Sottsass o el diseño americano hecho en los años cincuenta. Sin embargo es algo que no ha influido directamente en el trabajo que hacemos”.

DISEÑO “Hemos diseñado cosas que no son estrictamente mobiliario o arquitectura y nos ha gustado. Sin embargo, lo que más nos gusta de diseñar una pieza de mobiliario o un espacio es que encontramos esos proyectos en particular tremendamente desafiantes. Pensamos que la mayoría del mobiliario o de los productos que nos rodean todavía necesitan ser mejorados en cuestiones de diseño. Lo mejor que se ha hecho en diseño en esta primera década del siglo 21 ha salido de la factoría de Jasper Morrison”.

CAMPER “Ha sido la primera vez que trabajábamos con una empresa española y es la única hasta ahora. todo empezó cuando Miguel Fluxá vino a París a visitar nuestro estudio. Allí empezaron las conversaciones sobre la posibilidad de diseñar las tiendas Camper de París y Copenhague; también el restaurante Dos Palillos del nuevo hotel Casa Camper que la empresa tenía previsto abrir en Berlín. Aunque otros diseñadores industriales como Jaime Hayon y Alfredo Häberli han diseñado zapatos para Camper, no es algo que nosotros tengamos pensado hacer por el momento”.

DOS PALILLOS “Antes de diseñar nuestro Dos Palillos en Berlín, fuimos invitados por Camper al que la firma ya había abierto previamente en Barcelona. Esto fue lo que nos hizo realmente interesarnos por el proyecto. Fue toda una experiencia culinaria. Para homenajear la cocina de este chef, quisimos diseñar un restaurante que otorgara un significado completo a la expresión de su arte culinario. Pensamos que la cocina debía ser el centro del proyecto y del espacio. Debía estar bien abierta y accesible de manera que los comensales pudieran ver la preparación de los platos desde el principio hasta el final. Así que decidimos articular el espacio en torno a una gran mesa de madera y una cocina de acero inoxidable, con sus módulos uno frente al otro. En consecuencia, los comensales se encuentran en el centro de la cocina mientras el chef trabaja delante de ellos”.

GASTRONOMÍA “Disfrutamos mucho la comida en Dos Palillos, nos encanta comer. De hecho, mi mujer cree –dice Ronan- que en mi caso particular es el único campo en el que me siento orgulloso de lo que hago. A mí me encanta cocinar –dice Erwan-. Lo hago cada día. Para mí es imprescindible, es como respirar. A los diseñadores –añade Ronan- nos suele gustar cocinar por múltiples razones. Cocinar es una actividad táctil y sensual, ese es uno de los aspectos que más me gusta. Por otro, me gusta cocinar porque de una manera casi inmediata obtienes satisfacción por lo que has hecho. En el diseño esto no es así ya que el proceso de creación puede durar uno o dos años y hasta más”.

PARÍS “Nos gusta mucho el barrio en el que tenemos el estudio, Belleville. Aquí hay miles de restaurantes de todo tipo, desde vietnamitas a chinos, en los que se puede comer muy barato. Es un vecindario humilde”.

CRISIS “El mundo del diseño y su industria se está viendo profundamente afectado. Las empresas pequeñas, que a menudo son las que más innovan y al mismo tiempo las más frágiles, se han visto amenazadas por la inestabilidad económica mundial. Quizá lo que hemos aprendido de esta crisis es a actuar con una mayor antelación y cautela frente a los nuevos proyectos. también, de una manera más general, la relación de confianza entre el consumidor y el fabricante se ha roto; debemos replantear esta relación”.

NEO2 “Descubrimos la revista la primera vez que nos publicaron nuestros diseños. Nos gusta su variedad de temas, desde diseño y arquitectura hasta moda”.

Publicado en Neo2

El diseñador Vicente García Jiménez trabaja en Udine (Italia), donde no está muy bien visto utilizar los dos apellidos. Y así se lo han hecho saber. Pero quizá allí no sepan que en España los Vicente García se deben contar por miles y que es posible que desde siempre haya necesitado usar el Jiménez como distintivo, además de porque es totalmente lícito y porque le da la gana.

Desde 2005, su rimbombante nombre ­­–según los italianos– va de boca en boca en el circuito del diseño. Este año, Vicente García Jiménez ha firmado la instalación lumínica que la prestigiosa firma de iluminación Foscarini suele montar en la feria del mueble de Milán, la más importante del sector. La relación del diseñador con la marca viene de largo. De un largo un poco corto, la verdad, pues sólo tiene 31 años. Aun así se trata de una relación muy intensa. Como él mismo explica, “de Foscarini no te llaman de un día para otro para que les hagas una instalación, eso sólo les pasa a los grandes”.

García Jiménez llegó a Italia hace seis años con una mano delante y otra detrás. Era la primera vez que salía de España y aterrizó en Milán sin saber decir ni pepperoni. Venía de haber trabajado en Barcelona en la oficina técnica de Santa & Cole, su primer y único trabajo como diseñador industrial. Y se puso a tocar las puertas, sin cita previa, de los estudios más grandes de la ciudad, entre ellos el de Urquiola que por aquella época no era tan grande como ahora. Tras unos meses en Milán viendo cómo le daban con la puerta en las narices una y otra vez, le llamaron de un estudio de arquitectura en Udine para desarrollar un proyecto de iluminación. En esa provincia del noreste de Italia, García Jiménez encontró su sitio, del que de momento no tiene intención alguna de irse.

Su experiencia en la oficina técnica de Santa & Cole fue lo que llevó al estudio de arquitectura Enrico Franzolini a llamar a García Jiménez para un proyecto que se traía entre manos. Se trataba de la creación de una nueva empresa de iluminación, Karboxx. La firma debutó en 2005 en el salón de iluminación Euroluce de Milán. García Jiménez, que se venía gastando desde que estaba en Santa & Cole gran parte de su sueldo en construir los prototipos de sus propios diseños, fue puesto en la órbita de la industria italiana por este estudio, que además le dio la oportunidad de dar a conocer estos prototipos entre las empresas más importantes del sector. Así, al mismo tiempo que trabajaba en el proyecto de Karboxx, empezó a desarrollar también otras piezas de iluminación para Pallucco y Foscarini.

Haber tenido la oportunidad de desarrollar el proyecto de Karboxx desde el inicio fue algo que seguramente le sirvió a este joven valenciano para a continuación hacer lo propio con la firma española Fambuena. Todo surgió en Valencia, cuando en una cena de antiguos compañeros de colegio García Jiménez se reencontró con el menor de los hermanos Comes Fambuena, que sabía que una las cosas que su hermano mayor, Francisco, quería hacer en la vida era crear una firma de iluminación de diseño de alta calidad. Cuando tras tantos años sin verse supo a qué se dedicaba Vicente, decidió ponerlos en contacto.

Fambuena nació la misma tarde que García Jiménez acudió a ver al mayor de los Comes, que le confió la dirección de arte de la empresa. Entre ambos consiguieron en un tiempo récord montar una colección y una imagen sólida (en la imagen) con la que debutaron en la feria Light+Building de 2006. “La gente pensaba que éramos italianos y se sorprendían cuando decíamos que éramos españoles”, recuerda Comes.

En Fambuena, García Jiménez es quien dirige e interviene en la creación de lo relacionado con la imagen de la empresa. Se trata de que todo sea coherente, desde el producto hasta el logotipo, las fotografías o los catálogos. Su labor es la de un director de arte. “Esta figura es imprescindible para crear una empresa de este tipo porque es el profesional que hace posible que la firma siga un determinado rumbo”, cuenta él. También propone a qué otros diseñadores sería interesante encargar los nuevos productos. Fambuena, en sólo tres años, vende en más de cincuenta países. ¿Es Vicente García Jiménez otra gran promesa del diseño español? Todo apunta a que sí.

Publicado en El País Semanal

La noticia parece proceder de la agencia EFE y el titular no queda claro si lo ha puesto el diario. La pieza relata los nuevos servicios funerarios que se han empezado a ofrecer últimamente e incluye los trajes que ha diseñado Antonio Miró para difuntos, considerados de diseño porque los firma Antonio Miró, que es un conocido diseñador de moda. Por lo tanto, debe ser que el resto de trajes con los que se ha enterrado a los muertos hasta ahora no los ha diseñado nadie…

¿Quién no ha soñado con dormir mecido por las espigas? Esta imagen bucólica inspitró a los jóvenes arquitectos españoles Emiliano López y Mónica Rivera. Firman un hotel en Navarra que se ha convertido en el proyecto del momento.

Dicen de sí mismos que les gusta convertir las restricciones de los proyectos en oportunidades, poniendo el énfasis en la claridad constructiva y la intervención discreta. Ni un gurú del marketing lo habría definido mejor. Emiliano López y Mónica Rivera acaban de ganar el Premio de Arquitectura Joven de la X Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo por el hotel Aire de Bardenas, un proyecto que refleja con suma claridad esta definición que ellos mismos dan sobre su forma de hacer arquitectura.

El hotel se encuentra situado en un entorno algo singular. Casi hostil. Se trata de un campo de trigo cerca de Tudela donde el Cierzo azota sin tregua. Con la cantidad de hoteles que hay que basan su valor en su paisaje bucólico circundante, en un principio, los promotores del hotel Aire de Bardenas sólo tenían como reclamo los espectaculares paisajes desérticos del parque natural de las Bardenas Reales de Navarra que se encuentra en las inmediaciones. Sin embargo entre todos convirtieron esas restricciones paisajísticas en oportunidades, como dirían López y Rivera. “Cuando se nos planteó el proyecto, pensamos que seria increíble realmente poder dormir en medio de un campo de trigo: disfrutando del campo, pero a cubierto de su hostilidad”, comentan los arquitectos.

Por dentro, el hotel se presenta como una sucesión de cubos de acero brotados en mitad del campo, un planteamiento contemporáneo que nada tiene que ver con la arquitectura costumbrista -que generalmente tratan de salvaguardar los hoteles rurales. Estos cubículos, que albergan las 22 habitaciones y zonas comunes del hotel, buscan la protección climatológica y se organizan en torno a un patio central. A su vez, algunas habitaciones cuentan con un patio propio dotado de árboles y una moderna tina.

Por fuera, el hotel trata de no desentonar mucho con el paisaje. López y Rivera idearon así una fachada independiente a los cubículos realizada con las mismas cajas que se utilizan para recolectar la fruta y las verduras en la zona. Más que una fachada es una muralla de cajas de madera que sirve además como cerramiento, deteniendo el viento e impidiendo que los cubículos de acero queden a la vista.

Estos cubículos funcionan como pequeños refugios cuyo fría piel de acero contrasta con su cálido interior. López y Rivera han diseñado la mayoría del mobiliario y del equipamiento interior, propiciando esa misma calidez y serenidad que se percibe del campo de trigo a través de las ventanas-mirador con las que han provisto los cubículos. Se llaman ventanas habitables, porque tienen una profundidad exagerada y han sido habilitadas para que funcionen no sólo como miradores protegidos sino también para que en ellas sus ocupantes puedan sentarse a leer o a ver la televisión, integrada en los laterales. Incluso funcionan como sofá o cama supletoria.

Establecidos en Barcelona con su propio estudio desde 2001, Emiliano López y Mónica Rivera se conocieron en 1999 cuando cursaban un máster de arquitectura en la Universidad de Harvard. Él es de origen argentino, aunque se crió en Barcelona, donde estudió arquitectura. Ella es de Puerto Rico y toda su formación tuvo lugar en Estados Unidos. Con 38 y 37 años respectivamente y en una profesión en la que se empieza a sacar la cabeza en torno a la cuarentena, aún se les considera neófitos. Entre sus trabajos previos se encuentran un instituto y dos promociones de vivienda pública. La que realizaron en el barrio de Sant Andreu de Barcelona, como resultado de un concurso para arquitectos menores de 40 años organizado en 2003 por la Generalitat de Catalunya y el COAC, ganó también el premio de Arquitectura del FAD en 2008. “Los concursos públicos son una buena manera para empezar cuando uno tiene poca experiencia”, comenta Emiliano. “En un concurso puedes expresarte libremente. Son como un laboratorio de experimentación. La mayoría de los concursos no se ganan, pero en casi todos se desarrollan ideas que con perseverancia casi siempre acaban pudiendo ser contrastadas con la realidad”.

Con la ristra de galardones que obtuvieron en 2008 más el premio de la Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo de este año “el teléfono suena más”, comenta Emiliano. Sin embargo, su intención no es crecer sino mantenerse como un estudio pequeño. “Nos gusta estar muy encima de los proyectos. Creemos que para poder controlar bien de cerca un trabajo, a veces hay que renunciar a otros. Intentamos siempre encontrar un equilibrio entre la cantidad de proyectos que tenemos entre manos y nuestra capacidad para gestionarlos sin perder el control del diseño”, explica. Les gustaría que de ahora en adelante les llegaran más clientes como el del hotel Aire de Bardenas. “Lo que más nos interesa es la actitud de las personas que están detrás de los proyectos. Gente que no tenga prejuicios” concluye Emiliano.

Publicado en El País Semanal.

La revista Visual me pidió que hiciera un repaso a la trayectoria de Jaime Hayon, un diseñador que no deja indiferente. Aunque para mí, más que un diseñador, es un artista decorativo del S. XXI atrapado en el mundo del diseño.

Le da a todo. al mobiliario, la iluminación, el interiorismo y la instalación artística. También a los textiles y hasta al calzado. Jaime Hayon es un fenómeno, en todos los sentidos de la palabra. En cinco años que lleva como diseñador independiente ha conseguido metas insólitas. Analizar su trayectoria explica gran parte del fenómeno y por qué tiene loca a la industria.

Los pelotazos sólo le gustan a quien los vive en primera persona. Al resto les da envidia, de la sana y de la cochina, o prefieren consolarse pensando cristianamente que las cosas en la vida no se consiguen de un día para otro sino que hay que echarle horas, determinación y sufrimiento (mucho sufrimiento, si se es un español de pura cepa). Jaime Hayon dio el pelotazo hace aproximadamente tres años, con los treinta recién cumpliditos. Antes de que iniciara su carrera individual como diseñador en 2004, el nombre de Jaime Hayon sólo le sonaba a algunos en el mundo del diseño. Ahora, él y su trabajo aparecen reseñados en publicaciones del mundo entero y se ha convertido en un fenómeno que ha ido mucho más allá del sector del diseño, a lo Philippe Starck. Desde el Financial Times hasta un Vogue muestran interés por su figura. Y él les soluciona sus portadas con un retrato suyo enfundado en un disfraz de conejo rosa y se queda tan a gusto.

A menudo ha sido criticado por esta divertida tendencia suya a los disfraces, en lugar de ser valorado por su trabajo como diseñador. Se ha ganado detractores, pero él sigue a lo suyo haciéndose fotos vestido a lo muñeco de Michelin hayoniano sobre su balancín con forma de gallina de chillón color verde. Cada uno es como es. Quienes le critican por ello, algo de razón no les falta. Los profesionales del diseño hace tiempo que miran con desdén las extravagancias de los ochenta y los egos desmadrados de algunos de sus compañeros, que sólo han conseguido que se banalice la profesión. Jaime Hayon se encuentra quizá en una mala época para dar rienda suelta a su carácter histriónico y a su surrealista mundo creativo. Un momento en el que los diseñadores se han dado cuenta de que un design star-system mal manejado les produce más perjuicios que beneficios. Y él es una estrella y un comunicador nato. Un momento en el que la profesión reivindica al diseñador de oficio frente al diseñador-artista. Y él se define como artista y diseñador. Y encima, con la crisis que tenemos, un momento en el que se acabaron los excesos. Y él, construyendo instalaciones con jets privados a tamaño real o mega toys talla ninot recubiertos de mosaicos de Bisazza.

Hayon empezó su formación como diseñador industrial en el Istituto Europeo di Design de Madrid. Le fascinaba la cultura del skateboard y del graffiti, algo que todavía hoy se aprecia en su trabajo. Después se marchó a Paris a completar su formación y en 1997 a Treviso (Italia) para enrolarse en Fabrica, el laboratorio experimental de diseño y comunicación del grupo Benetton. Allí tuvo la oportunidad de estar al lado de una de las grandes figuras de la época en cuestiones de comunicación: Oliverio Toscani. Si Hayon no traía aprendido desde casa la importancia de la comunicación, desde luego lo aprendió aquí. Y quizá aquí es donde habría que buscar también las raíces de su extraordinaria aptitud para la comunicación.

Durante los años que pasó en Fabrica diseñó desde tiendas hasta restaurantes, tocando diversas áreas como el diseño industrial, gráfico y expositivo. Enseguida fue promocionado de estudiante a jefe del departamento de diseño. Así que cuando en 2004 hizo las maletas para marcharse de Treviso ya tenía siete años de oficio. Pero poca gente sabía quién era pues había trabajado prácticamente de manera anónima formando parte de un equipo.

En 2002, Hayon llamó la atención del jurado de los premios de diseño que de manera incipiente organizaba por aquella época el Instituto de la Juventud español (INJUVE). Aquel año, Alejandro Benavente fue premiado por haber creado y puesto en marcha la revista d[x]i. También se premiaron los proyectos y piezas presentados por los diseñadores industriales Héctor Serrano y Jesús Verona. Y él ganó el premio con un diario de bocetos… En Fabrica estaba aprendiendo el oficio, pero no salió de allí con un porfolio de diseños propios bajo el brazo.

En su última etapa en Fabrica, empezó a dar a conocer su trabajo artístico. Su nombre se hizo más audible, por un lado por sus toys inspirados en la gráfica manga y por otro por sus creaciones en cerámica. Pero en especial por la exposición Mediterranean Digital Baroque que se pudo ver en la galería londinense David Gill en 2003 y que mostraba de una manera muy evidente que Hayon era un artista con un imaginario muy particular.

Estaba por ver si el chico del diario de bocetos, de los toys y de las rayadas en cerámica con un fuerte potencial artístico iba a ser capaz de reconducir todo aquello hacia propuestas para el mercado real. Pudo haberse quedado en Italia, donde se encuentra concentrada la industria más importante del mundo del habitat. Pero en 2004 se vino a Barcelona. La empresa de iluminación Metalarte fue una de las primeras que confió en él. También la firma de mobiliario Bd y la de baños Artquitect. Con algunas de estas primeras piezas Hayon va evolucionando del Mediterranean Digital Baroque hacia un nuevo estilo clásico actualizado, como se aprecia en su lámpara Josephine para Metalarte o en su colección Showtime para Bd para la que recupera el capitoné creando tendencia.

Su particular lenguaje estético le lleva además a diseñar para Artquitect un programa de baño en el que sus elementos dejan de ser meros sanitarios para convertirse en mobiliario. “No me he querido aproximar a la colección AQ como una línea para el baño”, explicaba Hayon. “¿Por qué no diseñar este programa como si se tratara de mobiliario, haciendo piezas que puedan ser utilizadas también en una habitación y no sólo en el baño?” se cuestionaba. “Así que introduje colores más explosivos y formas poco corrientes que fueran modernas y clásicas al mismo tiempo”, explicaba. Con esta colección, que tuvo una fuerte repercusión internacional, Jaime hizo que las exportaciones de Artquitect se dispararan.

Aquí fue cuando Hayon dio el pelotazo. A partir de 2006 y sobre todo en 2007 no paró de recibir encargos. Hayon se hizo muy fuerte en España. Creció como diseñador e hizo crecer a su vez a las empresas con las que colaboraba. Para que luego digan que los diseñadores españoles se tienen que ir fuera para poder trabajar… Seguía dándole mucho a la cerámica y a la porcelana. Incluso algunas de las lámparas de Metalarte las concibió con estos materiales. Creó también nuevas piezas para Bd y una serie limitada denominada Mon Cirque. Así terminó llamando la atención de Lladró, que le fichó como director artístico con el objetivo de sentar las bases de la renovación de la firma. El pasado año presentaba la culminación de su colaboración con Lladró con la colección The Fantasy, que es de lo mejor que hasta el momento ha salido de su imaginario lúdico y surrealista.

Encandiló a muchos con su particular manera de actualizar lo clásico, hasta al restaurante La Terraza del Casino de Madrid para el que Hayon terminó a finales de 2007 la renovación de su interiorismo. Es de los pocos restaurantes de alta cocina que hay en España con un proyecto de interiorismo acorde a su carta. También empezó a trabajar con Camper, primero en el diseño interior de sus tiendas y después se atrevió con una línea de calzado, de la que ya va por la segunda entrega.

Después llegaron los encargos internacionales. Swarovski y Bisazza, siempre atentas a los diseñadores más mediáticos, le propusieron colaborar en la creación de instalaciones explotando así su vena artística. También Gaia & Gino y Baccarat, para las que ha creado sendas colecciones de jarrones. Los de Baccarat, presentados este año, son quizá su trabajo más notable en este momento. Un ejercicio de estilo magistral en cristal tallado de color, o grabado al oro fino, en combinación con elementos de cerámica metalizada.

Otras tantas empresas de mobiliario cuentan ya con diseños suyos. Las italianas Bosa, Palluco y Ceccotti, la holandesa Moooi y la estadounidense Bernhardt. Hasta la británica Established & Sons, que suele trabajar solamente con diseñadores de la isla, rápidamente se lo agenció nada más pisar tierra inglesa pues hace dos años que Jaime Hayon se trasladó a vivir a Londres. Mantiene su estudio en Barcelona y otro en Treviso. La factoría Hayon va a toda máquina.

A finales de 2008 ocurrió un hecho insólito. Fue seleccionado como invitado de honor de la bienal sobre diseño Interieur que se celebra de Kortrijk (Bélgica) desde 1968. Esto incluía una retrospectiva sobre su trabajo como parte del programa de la bienal. El hecho dio mucho que hablar y hasta hubo quien puso el grito en el cielo. Nunca antes se había dedicado ese honor a alguien con menos de cuarenta años. Hayon se encontraba con tan sólo cuatro años como diseñador independiente compartiendo ese honor con Raymond Loewy, Verner Panton, Andrea Branzi o Jean Nouvel.

La fuerza que tiene su trabajo hecho hasta el momento quedó de manifiesto en aquella retrospectiva. Se puede ser un detractor de su figura, pero no de la calidad de su trabajo. Su nivel de acabado es de lujo, ya se trate de piezas dirigidas a ese nicho de mercado o no. Ahí es donde salen a la luz sus siete años de oficio en Fabrica, con los buques insignia de la industria italiana del habitat bien cerca. Está claro que no es el diseñador funcional que ha de salvar al mundo de sus disfunciones (por ahora). Pero sí quién nos regale un imaginario único e irrepetible. Si se analiza su obra desde el punto de vista estético, se observa con claridad cómo evoluciona con la misma coherencia que lo hace un artista. Como un artista decorativo en la era industrial del siglo XXI.

Si quieres saber más, Gestalten acaba de editar un libro sobre su trayectoria.

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Ante tal argumento y después de quedarse petrificada, se da la vuelta disimuladamente y la ve midiendo con la palma de su mano el diámetro de una ensaladera. Él -la supuesta pareja- andaba probando cada cubo de basura expuesto en la tienda. Ambos rondaban los treinta y pocos

Mónica duda, sin entrar en percepciones subjetivas, que la chica verdaderamente estuviera aludiendo a los verdaderos valores del diseño cuando utilizó el “de diseño” en esta frase. Porque es verdad que si cualquiera quiere algo que le dure para toda la vida, lo mejor es optar por algo bien diseñado. Pero para Mónica, la chica en cuestión utilizó el “de diseño” aquí para aludir simplemente a aspectos estéticos.

Yo voy a soñar y concederle el beneficio de la duda. Mónica se quedó con las ganas de decirle: “Perdona, ¿qué es para ti el Diseño?”.